Die Messe Intersect Aspen unterstreicht die Materialspezifität

Die VIP-Eröffnung der Ausgabe 2023 von Intersect Aspen im Aspen Ice Garden am 1. August Intersect Aspen

Die Intersect Aspen-Messe (bis 4. August) ist zum dritten Mal in ihrer aktuellen Struktur in den Aspen Ice Garden zurückgekehrt, eine Eislaufbahn, die sich in den gemäßigten Sommermonaten des Skiorts in ein lebhaftes Freizeitzentrum verwandelt. (Der Vorgänger der Messe, Art Aspen, wurde 2010 ins Leben gerufen.)

Die Messe fällt mit der Aspen Art Week zusammen, einem Programm aus Performances, Vorträgen und Ausstellungen unter der Leitung des Aspen Art Museum, einschließlich der jährlichen ArtCrush-Benefiz-Auktion (4. August), einem mit Spannung erwarteten Ereignis unter lokalen Sammlern. Als einzige Kunst- und Designmesse in Aspen hat Intersect seinen aktuellen Schwerpunkt auf die Konnektivität der Gemeinschaft und frische neue Stimmen gelegt und den Formalismus mit kühnen, hellen und fühlbaren Elementen in den Vordergrund gestellt.

Besucher der Ausgabe 2023 von Intersect Aspen mit freundlicher Genehmigung von Intersect Aspen

An der Messe nehmen dieses Jahr 31 Galerien aus 27 Städten teil, von denen zehn zum ersten Mal auf der Messe ausstellen. Zusätzlich zu einer Reihe von Veranstaltungen für VIPs und Tageskarteninhaber hat Intersect eine neue kuratorische Initiative eingeführt, das Segment „Sonderprojekte“, das drei speziell für die Messe geschaffene künstlerische Interventionen umfasst. Diese Projekte gehören zu den explizit politischsten Werken, die bei Intersect zu sehen sind, und umfassen Micro Mansion, eine Installation des lokalen Künstlers Chris Erickson, die sich mit der Wohnungskrise im umliegenden Roaring Fork Valley auseinandersetzt, und eine hängende Skulptur des Künstlers Aljoscha, die die Krise Russlands kommentiert Krieg gegen die Ukraine.

Die Ankunft der Messe in der glamourösen Bergwelt von Aspen bringt einen konzertierten Schwerpunkt auf die materielle Transformation mit sich. Intersect beleuchtet, wie der Name schon sagt, die Schnittstelle zwischen bildender Kunst und Design und bietet eine perfekte Bühne für satte Farben, dekorative Gemälde und mittelgroße Skulpturen voller strukturierter Technik.

Amanda Martínez, Señal, 2022 Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und Hesse Flatow, New York

Am Stand der New Yorker Galerie Hesse Flatow verkörpert Señal (2022), ein ruhiges, stattliches Werk der in Brooklyn lebenden Künstlerin Amanda Martínez, diese messeweite Investition in die prozessualen Aspekte des Kunstschaffens. „Sie schnitzt Industrieschaum in Stücke und klebt sie dann zusammen – alles von Hand, aber sie sind so präzise, ​​dass sie fast wie lasergeschnitten aussehen“, sagt Galerieleiterin Rana Saner. „Diese Farbpalette aus Lehm und Lehm spiegelt wirklich ihr mexikanisches Erbe wider.“ Das Stück enthält auch Emaille, zerkleinertes Reifengummi und pigmentierten Stuck, Herstellungsschichten, die seiner zeremoniellen Präzision einen mystischen Reichtum verleihen.

Natasha Das, Objekt 2, 2023 Mit freundlicher Genehmigung der Marc Straus Gallery

Die Marc Straus Gallery, ein weiteres Standbein in New York, zeigt eine außergewöhnliche Auswahl sorgfältig gerenderter, hyperrealistischer Ölreliefs von Ornamentteppichen von Antonio Santín. „Jedes Stück dauert etwa acht Monate“, sagt Galerieleiterin Aniko Erdosi, „aber diese acht Monate sind das Ergebnis von zehn Jahren Perfektionierung seiner Technik.“

Nur ein paar Meter entfernt hängen einige kleine, aber dynamische Faserstücke (zum Preis von etwa 4.200 US-Dollar) der indisch-amerikanischen Künstlerin Natasha Das; Der Künstler formt Nadelspitzen in abstrakte Pinselstriche um und schafft durch fühlbare Gesten räumliche Tiefe. „Sie ist eine wirklich gute Koloristin, die im Wesentlichen mit Fasern malt“, sagt Erdosi. „Diese Stücke haben eine Unmittelbarkeit und Verspieltheit.“

José Bedia, Wayom Lemond, 2023 Fredric Snitzer Gallery

Dieses Beharren auf Spezifität spiegelt sich am Stand der in Miami ansässigen Fredric Snitzer Gallery wider, an dem eine beeindruckende grafische Skizze des kubanischen Malers José Bedia auf Amate-Papier zu sehen ist. Wayom Lemond (2023), preislich etwa 20.000 US-Dollar, bezieht sich auf The Kingdom of This World (1949), den historischen Roman über die Unabhängigkeit Haitis des kubanisch-französischen Autors Alejo Carpentier.

Das Stück stellt den revolutionären Kampf des Rebellenführers François Mackandal als phantasmagorische Topographie kultureller Unruhen neu vor. Amate-Papier, ein traditionelles mexikanisches Papier, das aus Amate- und Maulbeerbäumen handgefertigt wird, wurde während der spanischen Eroberung aufgrund seiner Verbindung mit Magie und Hexerei verboten, da die Invasoren versuchten, die indigene Bevölkerung zum Katholizismus zu bekehren. „Ich liebe diese Arbeit besonders, weil sie so viele Details und so viele verschiedene Elemente enthält“, sagt Galerieleiterin Josha Veasey. „Jedes Mal, wenn man es betrachtet, sieht man etwas, das man vorher nicht gesehen hat.“

Rachel Garrard, Apex, 2023 Hexton Art Gallery

Der Stand der in Aspen ansässigen Hexton Gallery umfasst zwei Gemälde der nomadischen Künstlerin Rachel Garrard, deren meditative Abstraktionen das Wunder der Natur mit einem kantigen Kompositionsansatz verbinden. Ihre verträumten Farbverläufe bestehen aus handzerkleinerten Pigmenten, die sie aus ihrer unmittelbaren Umgebung gesammelt hat, wie Quarz, Asche oder Gesteinsmehl.

„Bei Rachel geht es wirklich darum, uns zu erden, und das geschieht auf spirituelle und physische Weise“, sagt Galerieleiter Robert Chase. „Sie malt in Bereichen, mit denen sie sich wirklich verbunden fühlt – Tulum ist für sie ein großes Thema – und sie schafft symbolische Bilder, die uns darüber nachdenken lassen, wer wir sind und woher wir kommen.“